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January 5, 2024

Weird War Tales - Milligan, Fabry, Morrison, Shanower, Quitely et al.

Perhaps it’s because I grew up surrounded by 2000 AD comics, or because I used to read Zona 84, Cimoc and many others, but the thing is to me nothing feels more natural and enticing than an anthology. Maybe that also explains why in my own comics I prefer the anthological format. In any case, anthologies have never been particularly popular in the US, and that’s something that I always find surprising. The UK always exceeds our expectations with brilliant anthologies such as 2000 AD (comics) or Black Mirror (series). 26 years ago Vertigo published several anthologies, some of which I have reviewed here. Today I’ll talk about Weird War Tales.

Glenn Fabry

Slightly reminiscent of war comics from the 40s, the title Weird War Tales definitely feels like a homage and at the same time a celebration of that abundant plethora of war comics from the past. But, of course, this isn’t a nostalgia trip, it’s Vertigo after all. And Vertigo has always been about pushing the envelope not calmly remembering how things used to be in the past. So these war stories are unlike anything you might have encountered before, some will even make you question the definition of ‘war’ itself. 

Richard Corben

I’ll start with the covers. The first issue (June 1997) features a magnificent cover by artist extraordinaire (and frequent Vertigo collaborator) Glenn Fabry. Evocative of the Vietnam war, a group of American soldiers have taken a boy prisoner, most of them don’t realize what’s going on, but the one soldier closer to the boy has a facial expression of absolute horror. The center of the cover is, of course, the face of the boy, which only the reader and the frightened soldier can see. Brilliant. The cover of the second issues is illustrated by a living legend, a giant among artists, the one and only Michael W Kaluta. Evocative of WWII airplanes and pinup illustrations, Kaluta’s art is breathtakingly beautiful. I wish I had reviewed Kaluta’s comics before, that’s one artist I’d love to talk more about.

James Romberger

And talking about Zona 84, in the pages of this memorable Spanish anthology is where I saw the works of Richard Corben for the first time. Back in the day, Corben had thousands of fans in the US and Europe. Before computer coloring was a thing, Corben would impress everyone with his realistic and textured coloring, using only an aerograph and other tools. For issue # 3, Corben reproduces the iconic picture of a few soldiers with the American flag in WWII. Finally, the last issue features a rather impressionistic cover by an artist with plenty of experience in the genre, the inimitable George Pratt.  

Eric Shanower

Weird War Tales # 1 was originally published in June 1997, and it starts with “The Survivor”. The writer is Simon Revelstroke and the artist is the same Richard Corben that also provides one of the covers for this miniseries. I found the premise quite interesting: a nazi ship accidentally finds an island inhabited by otherworldly monstrous creatures. “Ares” is the Greek god of war, so it’s only fitting to see such egregious name in this anthology; Brian Azzarello writes a story in which war is understood in the context of black people’s gangs and the violent loss of lives, very appealing illustrations by James Romberger, whose name I wasn’t familiar with.

Eric Shanower

My favorite story of this issue is “The Willow Warriors”, based on feudal Japan rivalries. British writer Ian Edginton works with the incredibly talented Eric Shanower, mostly famous for his Age of Bronze (which I’ve been meaning to review for a really long time). Artistically, Shanower proves how necessary design, composition and details can be for any sort of graphic narrative. The main idea is that two armies are equally matched, now this might sound like a rather simple idea but the art really shows us how ‘equal’ these two forces are. However, is the ending that I find absolutely brilliant, which masterfully combines ideas with execution, words with lines on the paper. 

Eric Shanower

To decide the fate of this battle, the best samurai in each army must fight for victory: “the two warriors assumed their battle stances, each waiting for that moment’s hesitation, that second of vulnerability, which would spell his opponent’s death. For hours the samurai stood, as motionless as mountains”. Beauty and oriental serenity come together in a moment of apparent peace and yet full of tension. “The Willow Warriors” is truly remarkable. In “Tunnel Rats”, writer Gordon Rennie and penciler / inker Randy DuBurke share with us the nightmarish journey of a platoon of soldiers in Vietnam, who must deal with the supernatural threats under a tunnel. 

Michael W Kaluta

Weird War Tales # 2 (July 1997)  begins with “Looking Good, Feeling Great”, entirely written, penciled, inked and colored by David Lloyd, of worldwide fame thanks to V for Vendetta. In this opportunity we see a combination of those obsessed with the military and police forces against an unusual background, that of a morning fitness show for women. Lloyd’s already compelling story is enhanced by the amazing art. “Mightier” by Peter Kuper plays with the formal elements of a comic book page, using the space between frames as part of the narrative; here the act of signing a document spells doom for the population of an anonymous city about to be bombarded. “The Elopement” by Joe R. Lansdale and Sam Glanzman is certainly closer to classic war tales, here a woman surrounded by soldiers pretends to be a man.

David Lloyd

My favorite story in Weird War Tales # 3 (August 1997), is “New Toys” thanks to the crazy and very original script by Grant Morrison and the stunning and detailed art by Frank Quitely. Long before these two creators left indelible marks in such popular runs like New X-Men or Batman, they already were an exceptional creative team with the ability to captivate all readers. Here war takes place amongst toys, and when an action figure / soldier / deserter survives a gruesome massacre, he finds the quintessential Barbie doll, who takes care of him. Soon, they fall in love, and start experimenting with the possibility of sex as well as crossdressing. “New Toys” is simply fabulous, and as much as it made me laugh I also applaud its scary ending. 

David Lloyd

The next story in this third issue is “Sniper’s Alley”, written by Joel Rose and drawn by Eric Cherry; here we see a more traditional take on the genre, with a special spotlight on a Serbian soldier. Finally, “Run” reunites two big names of the comic book industry, British writer Paul Jenkins and artist George Pratt, who focus on the destructive aspect of war, the devastation and the countless deaths as seen by an anonymous British soldier; bleak and sad, “Run” truly represents the reality of war.

Peter Kuper

The last issue of the miniseries is Weird War Tales # 4 (September 1997). British writer Peter Milligan must be a fan of Tolstoi’s War and Peace, as can be seen in the title of his story, “War & Peas”, illustrated by frequent collaborator Duncan Fegredo; two war veterans were deeply in love with the same woman, and now that only one of them is alive, old and ill, the memories from the past seem to be deposited into a bomb shelter that no one uses anymore. A veteran suffering from posttraumatic stress and buried memories of his hidden sexuality will take matters personally when dealing with the unexpected vandalism of two teenagers, after capturing them, he plans to give them a lesson they’ll never forget. The ending is both shocking and surprising. 

Sam Glanzman

“The Day On The Sajo”, written by Neil Barrett Jr., takes place in 1241, in Hungary, during the Mongolian wars. The art is by Phil Winslade, whose unique work always rich in details and lively lines, has been a longtime favorite of mine, and yet another example of long overdue review. I’ll get to it soon, hopefully. This time, a warrior is encouraged by his ancestors to rise again and keep on battling, but is that real courage or just plain stupidity? “Salvation” by John Ney Rieber and Danijel Zezelj is an insight into the ruminations and personal justifications of a soldier who feels more like a hunter or an assassin. 
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Quizás sea porque crecí rodeado de cómics como 2000 AD, o porque leía Zona 84, Cimoc y muchos otros, lo cierto es que para mí nada es más natural y atractivo que una antología. Quizás eso también explique por qué en mis propios cómics prefiero el formato de antología. En cualquier caso, las antologías nunca han sido particularmente populares en Estados Unidos, y eso siempre me sorprende. El Reino Unido siempre supera nuestras expectativas con antologías brillantes como 2000 AD (cómics) o Black Mirror (series). Hace 26 años Vértigo publicó varias antologías, algunas de las cuales he reseñado aquí. Hoy hablaré sobre Weird War Tales.

Richard Corben

Con una ligera reminiscencia de los cómics de guerra de la década de 1940, el título Weird War Tales definitivamente se siente como un homenaje y una celebración de esa abundante plétora de cómics de guerra del pasado. Pero claro, esto no es un viaje de nostalgia, es Vertigo al fin y al cabo. Y Vertigo siempre ha insistido en ir más allá, sin recordar con tranquilidad cómo eran las cosas en el pasado. Así que estas historias de guerra no se parecen a nada con lo que te hayas encontrado antes; algunas incluso te harán cuestionar la definición misma de ‘guerra’.

Empezaré por las portadas. El primer número (junio de 1997) presenta una magnífica portada del artista extraordinario (y frecuente colaborador de Vertigo) Glenn Fabry. Con reminiscencias de la guerra de Vietnam, un grupo de soldados estadounidenses han hecho prisionero a un niño, la mayoría de ellos sin darse cuenta de lo que está sucediendo, pero el soldado más cercano al niño tiene una expresión facial de absoluto terror. El centro de la portada es, por supuesto, el rostro del niño, que sólo el lector y el asustado soldado pueden ver. Brillante. La portada del segundo número está ilustrada por una leyenda viviente, un gigante entre los artistas, el único e inigualable Michael W Kaluta. El arte de Kaluta, que evoca aviones de la Segunda Guerra Mundial e ilustraciones de pin-up, es increíblemente hermoso. Ojalá hubiera reseñado algunos cómics de Kaluta antes, es un artista del que me encantaría hablar más.

Frank Quitely

Y hablando de Zona 84, fue en las páginas de esta memorable antología española donde vi por primera vez las obras de Richard Corben. En aquel entonces, Corben tenía miles de fans en Estados Unidos y Europa. Antes de que existiera el coloreado por computadora, Corben impresionaba a todos con coloreados realistas y texturizados por sí mismo, usando solo un aerógrafo y otras herramientas. Para el número 3, Corben reproduce la icónica imagen de los soldados con la bandera estadounidense en la Segunda Guerra Mundial. Finalmente, el último número presenta una portada bastante impresionista de un artista con mucha experiencia en el género, el inimitable George Pratt.

Frank Quitely

Weird War Tales # 1 se publicó originalmente en junio de 1997 y comienza con “The Survivor”. El escritor es Simon Revelstroke y el artista es el mismo Richard Corben que también aporta una de las portadas de esta miniserie. La premisa me pareció bastante interesante: un barco nazi encuentra accidentalmente una isla habitada por monstruosas criaturas de otro mundo. “Ares” es el dios griego de la guerra, por lo que es apropiado ver un nombre tan atroz en esta antología; Brian Azzarello escribe una historia en la que la guerra se entiende en el contexto de las pandillas de negros y la pérdida violenta de vidas, con atractivas ilustraciones de James Romberger, cuyo nombre desconocía.

Frank Quitely

Mi historia favorita de este número es “Los guerreros del sauce”, basada en las rivalidades del Japón feudal. El guionista británico Ian Edginton trabaja con el increíblemente talentoso Eric Shanower, mejor conocido por su Edad del Bronce (que he querido reseñar durante mucho tiempo). Artísticamente, Shanower demuestra cuán necesarios pueden ser el diseño, la composición y los detalles para cualquier tipo de narración gráfica. La idea principal es que dos ejércitos son simétricamente iguales; Esto puede parecer una idea bastante simple, pero el arte realmente nos muestra cuán ‘iguales’ son estas dos fuerzas. Sin embargo, lo que me parece absolutamente brillante es el final, que combina magistralmente ideas con ejecución, palabras con líneas sobre el papel.

George Pratt

Para decidir el destino de esta batalla, los mejores samuráis de cada ejército deberán luchar por la victoria: “los dos guerreros asumieron sus posiciones de batalla, cada uno esperando ese momento de vacilación, ese segundo de vulnerabilidad, que significaría la muerte de su oponente. Durante horas los samuráis permanecieron inmóviles como montañas”. La belleza oriental y la serenidad se unen en un momento de aparente paz y al mismo tiempo lleno de tensión. “Los guerreros del sauce” es realmente notable. En “Túnel de ratas", el escritor Gordon Rennie y el dibujante y entintador Randy DuBurke comparten con nosotros el viaje de pesadilla de un pelotón de soldados en Vietnam, que deben lidiar con amenazas sobrenaturales bajo un túnel.

Duncan Fegredo

Weird War Tales #2 (julio de 1997) comienza con “Viéndose bien, sintiéndose estupendo”, escrita, dibujada, entintada y coloreada íntegramente por David Lloyd, de fama mundial gracias a V de Vendetta. En esta oportunidad vemos una combinación de obsesión por las fuerzas militares y policiales en un contexto inusual, el de un programa matutino de fitness para mujeres. La ya convincente historia de Lloyd se ve realzada por el asombroso arte. “Más poderoso” de Peter Kuper juega con los elementos formales de una página de cómic, utilizando el espacio entre viñetas como parte de la narrativa; aquí el acto de firmar un documento significa la perdición para la población de una ciudad anónima a punto de ser bombardeada. “La fuga” de Joe R. Lansdale y Sam Glanzman se acerca ciertamente más a los cuentos de guerra clásicos: aquí una mujer rodeada de soldados se hace pasar por un hombre.

Duncan Fegredo

Mi historia favorita en Weird War Tales # 3 (agosto de 1997), es “Nuevos juguetes” gracias al guión loco y muy original de Grant Morrison y al impresionante y detallado arte de Frank Quitely. Mucho antes de que estos dos creadores dejaran huellas imborrables en series tan populares como New X-Men o Batman, ya eran un equipo creativo excepcional con capacidad para cautivar a todos los lectores. Aquí la guerra tiene lugar entre juguetes, y cuando una figura de acción/soldado/desertor sobrevive a una masacre espantosa, encuentra a la muñeca Barbie por excelencia, que cuida de él. Pronto, se enamoran y comienzan a experimentar con la posibilidad del sexo además del travestismo. “Nuevos juguetes” es simplemente fabulosa y, por mucho que me hizo reír, también aplaudo su aterrador final.

Phil Winslade

La siguiente historia de este tercer número es “El callejón del francotirador”, escrita por Joel Rose y dibujada por Eric Cherry; Aquí vemos una versión más tradicional del género, con especial atención a un soldado serbio. Finalmente, “Corred” reúne a dos grandes nombres de la industria del cómic, el escritor británico Paul Jenkins y el artista George Pratt, quienes se centran en el aspecto destructivo de la guerra, la devastación y las innumerables muertes vistas por un soldado británico anónimo; desolador y triste, “Corred” representa verdaderamente la realidad de la guerra.

Phil Winslade

El último número de la miniserie es Weird War Tales # 4 (septiembre de 1997). El escritor británico Peter Milligan debe ser un fanático de Guerra y paz de Tolstoi, como puede verse en el título de su cuento, “La guerra y los guisantes”, ilustrado por su frecuente colaborador Duncan Fegredo; dos veteranos de guerra estaban profundamente enamorados de la misma mujer, y ahora que sólo uno de ellos está vivo, viejo y enfermo, los recuerdos del pasado parecen estar depositados en un refugio antiaéreo que ya nadie usa. Un veterano que sufre estrés postraumático y recuerdos enterrados de su sexualidad oculta se tomará las cosas como algo personal al lidiar con el vandalismo inesperado de dos adolescentes; luego de capturarlos, planea darles una lección que nunca olvidarán. El final es a la vez impactante y sorprendente.

“El día en el Sajo”, escrita por Neil Barrett Jr., transcurre en 1241, en Hungría, durante las guerras de Mongolia. El arte es de Phil Winslade, cuyo trabajo único, siempre rico en detalles y líneas vivas, ha sido uno de mis favoritos desde hace mucho tiempo y otro ejemplo más de una reseña que debía haber hecho hace mucho tiempo. Lo haré pronto, con suerte. Esta vez, sus antepasados alientan a un guerrero a levantarse de nuevo y seguir luchando, pero ¿es eso verdadero coraje o simplemente estupidez? “Salvación” de John Ney Rieber y Danijel Zezelj es una visión de las cavilaciones y justificaciones personales de un soldado que se siente más como un cazador o un asesino.

November 16, 2015

Batman: Shaman - Dennis O’Neil & Ed Hannigan

I wasn’t even born when legendary writer Dennis O’Neil introduced Ra’s Al Ghul as a worthy antagonist, or when he redefined Green Lantern and Green Arrow. Curiously, the very first O’Neil comic I read was issue 1 of “Batman: Sword of Azrael” in the 90s. Even 20 years after his first emblematic run on Batman, this veteran author was still creating brand new characters. I guess that’s the deal with truly creative people, they can still surprise us year after year, decade after decade. Obviously, I became an O’Neil fan right away. And I just had the need to find some of his earlier works.

So I decided to start with “Shaman” (published in Legends of the Dark Knight # 1-5, from November 1989 to March 1990), the inaugural arc of a new title that DC released to commemorate Batman’s 50th anniversary. Nowadays with dozens of Batman-related books on the shelves, it’s actually quite difficult to believe that back in the late 80s, there were only 2 titles: Detective Comics and Batman. Legends of the Dark Knight became the third ongoing series, and clearly DC made an extra effort in putting together the best creative teams for unique and memorable stand-alone arcs. And who could’ve been better suited than Dennis O’Neil to start the ball rolling?

Building upon the premises established by Frank Miller in “Batman: Year One”, O’Neil came up with a fascinating saga about a young and inexperienced Bruce Wayne. In the initial chapter, Bruce is still training to become the world’s greatest detective, and his quest takes him to Alaska. In a lonely mountain, Bruce Wayne fights against a dangerous adversary, and barely manages to escape: “It’s cold. Probably 30 below. Fifty, with the wind chill. I have no food, no matches, no radio or flares, and very little clothing. I’m somewhere in north Alaska. The nearest village is a day’s trek away. The storm will hit soon”.

There is a reason why we may connect with Batman better than with other superheroes. Although he is able to accomplish impossible feats, at the end of the day he’s nothing more than a human being. But he is the best we can ever hope to be. He has trained for years to master all fighting techniques, honing his abilities, perfecting both body and mind in the process. And his human capacity, taken to the extreme, is what we find so captivating. Against impossible odds, Batman will figure out a way to succeed. Or he will die trying. “Shaman” exemplifies this notion. Surviving in low temperatures without equipment becomes a tough challenge for Bruce Wayne. But he knows he cannot give up. He must keep walking. The cold is the enemy, and if he stops, even for a second, he’ll freeze to death. O’Neil describes Bruce Wayne’s agonizing march in such a manner that we can almost feel the drop in temperature. In the end, Bruce Wayne is rescued by a shaman and his daughter, he knows he owes them his life, but he’s still an immature young man who believes that giving money away will prove his gratitude. And that’s a mistake that triggers a dramatic sequence of events.

Bruce Wayne goes back to Gotham, and a couple of years later, he starts patrolling the streets at night as Batman. Of course, he’s assisted by Alfred Pennyworth; in the past he was simply a supporting character and now, in the hands of O’Neil, he’s a more complex and appealing co-protagonist. Alfred’s “sardonic wit” and British irony are now the most well-known personality traits of the most famous butler in comics’ history, and it’s all thanks to O’Neil. In subsequent chapters, a series of seemingly unrelated events start pointing out at a connection between Alaska, shamanism, pagan rites and a new adversary powerful enough to defeat Batman on their first confrontation. I don’t think it’s a good idea to spoil the ending, so I won’t get into details. But I will mention a couple of my favorite moments. The first one is Bruce Wayne’s return to Alaska, who discovers that the money he had given to the tribe through the Wayne Foundation has corrupted their way of living, turning the aborigines into alcoholics or drug-addicts; the saddest part is when Bruce finds the shaman that saved his life, and sees him performing cheap tricks for tourists and degrading himself for a bottle of liquor. That’s the kind of scene I don’t think we could ever get to see in a DC book nowadays, not because the editors wouldn’t allow it but mainly because our generation genuinely believes that all the problems in the world can be solved with money.
Bruce Wayne: the clothes maketh the man / Bruce Wayne: el traje lo es todo
Another extraordinary moment takes place when the shaman’s daughter explains Bruce Wayne that, to become who he really is, he does not have to wear a mask, he as to become the mask. That is the leitmotif throughout this arc. Batman isn’t a masked hero in a conventional manner, he doesn’t stop being Batman the minute he takes off his costume. He remains Batman, under all circumstances, always. The covers of these 5 issues, gorgeously illustrated by Ed Hannigan and George Pratt (with a great logo design by Dean Motter), certainly support this idea. The interior art is also spectacular, thanks to Ed Hannigan’s pencils and John Beatty’s inks; they’re both faithful to the groundbreaking style introduced by David Mazzucchelli in Year One and yet innovative in their own way. Hannigan’s “figures are a nice merging of realism and dynamic anatomy. His flair for layout is among the best in the business. The storytelling flows quickly and smoothly, combining beautiful establishing shots with intriguing, cinematic angles”, affirms Michael Christiansen, and I totally agree with him. O’Neil and Hannigan set a high standard for what would unquestionably become one of the best DC ongoing series.
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Yo ni siquiera había nacido cuando el legendario escritor Dennis O'Neil presentó por primera vez a Ra's Al Ghul como un digno antagonista, o cuando redefinió a Green Lantern y Green Arrow. Curiosamente, el primer comic de O'Neil que leí fue el número 1 de “Batman: la espada de Azrael” en los 90s. Incluso 20 años después de su emblemática etapa en Batman, este veterano autor seguía creando nuevos personajes. Supongo que ese es el asunto con las personas verdaderamente creativas, nos siguen sorprendiendo año tras año, década tras década. Obviamente, me convertí en un fan de O'Neil de inmediato. Y tuve la necesidad de encontrar algunos de sus trabajos previos.
The early years of Batman / los primeros años de Batman
Así que decidí comenzar con “Shaman” (publicado en Legends of the Dark Knight # 1-5, de noviembre de 1989 a marzo de 1990), el arco inaugural de un nuevo título que DC preparó para conmemorar el 50 aniversario de Batman. Hoy en día, con docenas de colecciones vinculadas con Batman, cuesta creer que a fines de los 80s sólo había 2 títulos: “Detective Comics” y “Batman”. “Legends of the Dark Knight” se convirtió en la tercera serie mensual, y claramente DC se esforzó en elegir a los mejores equipos creativos para estas nuevas y memorables sagas. ¿Y quién podría haber sido más adecuado que Dennis O'Neil para dar inicio a este proyecto?
Gotham
Apoyándose en las premisas establecidas por Frank Miller en “Batman: Año Uno”, O'Neil se centraría en un joven e inexperto Bruce Wayne. En el capítulo inicial, Bruce todavía está entrenando para convertirse en el mejor detective del mundo, y es así como llega a Alaska. En una montaña solitaria, Bruce Wayne lucha contra un peligroso adversario, y apenas logra escapar: “Hace frío. Probablemente 30 bajo cero. Cincuenta, con las ráfagas de viento gélido. No tengo comida, ni fósforos, ni radio, ni luz de bengala, y llevo muy poca ropa. Estoy en algún lugar en el norte de Alaska. El pueblo más cercano está a una caminata de un día de distancia. La tormenta llegará pronto”.
A powerful enemy / un poderoso enemigo

Conectamos con Batman mejor que con otros superhéroes por una razón: a pesar de que es capaz de lograr hazañas imposibles, al final del día no es más que un ser humano. Pero él es lo mejor que podríamos aspirar a ser. Él ha entrenado durante años para dominar todas las técnicas de lucha, perfeccionando sus habilidades, entrenando el cuerpo y la mente. Y su capacidad humana, llevada al extremo, es lo que encontramos tan cautivadora. Contra viento y marea, Batman encontrará la manera de triunfar. O morirá en el intento. “Shaman” ejemplifica esta noción. Sobrevivir a bajas temperaturas sin equipamiento alguno se convierte en un reto difícil para Bruce Wayne. Pero él sabe que no puede darse por vencido. Debe seguir caminando. El frío es el enemigo, y si se detiene, siquiera por un segundo, morirá congelado. O'Neil describe la marcha agonizante de Bruce Wayne de tal manera que casi podemos sentir el descenso de la temperatura. Al final, Bruce Wayne es rescatado por un chamán y su hija; él sabe que les debe la vida, pero sigue siendo un joven inmaduro que cree que al regalar dinero demostrará su gratitud. Y ese es un error que desencadena una dramática secuencia de eventos.

Bruce Wayne regresa a Gotham, y un par de años más tarde, en las noches, comienza a patrullar las calles como Batman. Por supuesto, es ayudado por Alfred Pennyworth; en el pasado, él era simplemente un personaje secundario y ahora, en manos de O'Neil, es un co-protagonista más complejo y encantador. El “ingenio sarcástico” de Alfred y su ironía inglesa son ahora los rasgos de personalidad más conocidos del mayordomo más respetado de los cómics, y es todo gracias a O'Neil. En los capítulos siguientes, una serie de eventos aparentemente no relacionados señalan una conexión entre Alaska, el chamanismo, los ritos paganos y un nuevo adversario lo suficientemente poderoso como para derrotar a Batman en su primer enfrentamiento. No creo que sea una buena idea revelar el desenlace, así que no entraré en detalles. Pero sí mencionaré un par de mis momentos favoritos. El primero es el retorno a Alaska; allí Bruce Wayne descubre que el dinero que donó a la tribu mediante la Fundación Wayne ha corrompido su modo de vida, convirtiendo a los aborígenes en alcohólicos o drogadictos; la parte más triste es cuando Bruce encuentra al chamán que le salvó la vida, y lo ve realizando trucos baratos para los turistas y degradándose a sí mismo por una botella de licor. Ese es el tipo de escena que no creo que podríamos llegar a ver en un cómic de DC hoy en día, no porque los editores lo impidiesen, sino sobre todo porque nuestra generación realmente cree que todos los problemas del mundo se pueden resolver con dinero.
the shaman mask / la máscara del chamán
Otro momento extraordinario tiene lugar cuando la hija del chamán le explica a Bruce Wayne que, para aceptarse a sí mismo, él no tiene que usar una máscara, él debe convertirse en la máscara. Ese es el hilo conductor de este arco. Batman no es un héroe enmascarado a la manera convencional, no deja de ser Batman al momento de quitarse el traje. Él sigue siendo Batman, bajo cualquier circunstancia, siempre. Las portadas de estos 5 ejemplares, magníficamente ilustradas por Ed Hannigan y George Pratt (con un logo diseñado por Dean Motter), sin duda dan sustento a esta idea. El arte interior también es espectacular, gracias a los lápices de Ed Hannigan y las tintas de John Beatty; ambos son fieles al estilo innovador introducido por David Mazzucchelli en “Año Uno”, y al mismo tiempo aportan un toque novedoso. “Las figuras de Hannigan son una buena combinación de realismo y anatomía dinámica. Su gusto por el diseño le da una gran ventaja en la industria. La narración fluye rápidamente y sin problemas, combinando bellas tomas panorámicas con ángulos cinematográficos intrigantes”, afirma Michael Christiansen, y estoy totalmente de acuerdo con él. O'Neil y Hannigan fijaron un alto estándar para lo que sería indudablemente una de las mejores series de DC.